Is that all there is

Peggy Lee - Is that all there is

Recuerdo que cuando era pequeña nuestra casa se incendió.
Nunca olvidaré la cara de mi padre mientras me sacaba en brazos
del edificio ardiendo hasta la calle.
Me quedé allí tiritando en pijama y miraba el mundo entero consumirse en llamas.
Y cuando acabó me dijé a mi misma, "Eso es todo lo que queda después del fuego"

ESTRIBILLO:
¿Eso es todo lo que hay?, ¿Eso es todo lo que hay?
Si eso es todo lo que queda, amigos, entonces sigamos bailando
Bebamos un trago y pasemos un buen rato
Si eso es todo lo que hay

Cuando tenía 12 años, mi padre me llevó a un circo, el mayor espectáculo del mundo.
Había payasos y elefantes y osos bailarines.
Y una bella trapecista en mallas rosas voló sobre nuestras cabezas.
Y mientras estaba allí mirando el fabuloso espectáculo
tuve el sentimiento de que faltaba algo,
no sé el qué, pero cuando terminó,
me dije a mí misma, "¿eso es el circo?
(Estribillo)
Después me enamoré del chico más maravilloso del mundo.
Dábamos largos paseos por el río o sólo nos quedábamos horas mirándonos a los ojos.
Estábamos muy enamorados.
Un día se fue y creí que me moría, pero no lo hice,
y entonces me dije a mí misma, "¿esto es lo que queda después del amor?"
(Estribillo)
Sé que tienen que estar diciéndose a sí mismos,
si se siente de esa manera ¿por qué no acaba de una vez con todo?
Oh, no, no yo. No tengo prisa por esa decepción final,
tengo tan claro como que estoy aquí ahora hablándoles a ustedes,
que cuando el momento final llegue y exhale mi último suspiro, me diré a mí misma:

¿Eso fue todo?, ¿eso fue todo?... (estribillo)

(Adaptación libre y un poco pedestre de este maravilloso tema, invitación hedonista y exquisita al carpe diem basada, según parece, en un relato de Thomas Mann)

Canción "mítica"

Ya sé que esta canción es una chorrada, pero siempre me hace sonreír

El giallo italiano

“Giallo” significa en italiano amarillo y muy pronto se relacionó en este país ese color con las novelas de misterio y policíacas, debido a una línea de la editorial Mondadori que nació en 1929 y cuyas portadas eran gualdas. Eran novelas “pulp”, de entretenimiento barato, donde la línea argumental era básicamente descubrir quién era el asesino o el ladrón en la historia entre un nutrido grupo de sospechosos, básicamente un “whodunit” (quién-lo-hizo) al estilo de Agatha Cristie. Tanto es así, que las novelas de la inglesa fueron reeditadas dentro de esta misma colección. Con el paso del tiempo sus portadas comenzaron a incluir dibujos de chicas atractivas ligeras de ropa para llamar la atención del público. Esta colección goza de éxito aún hoy en día y ha conseguido que en Italia “giallo” y “thriller” sean prácticamente sinónimos.

Pero volviendo al cine, el trasvase del papel al celuloide lo realiza por primera vez el pionero Mario Bava en 1962 con La muchacha que sabía demasiado (Sí, remite directamente a un título de Hitchcock), donde ya aparecen elementos característicos, pero es dos años después con Seis mujeres para el asesino donde las pautas del género (casi) se definen completamente y aparece ya nuestro prototípico asesino con la cara tapada y guantes de cuero que gusta de rajar y maltratar a muchachitas guapas e indefensas en la oscuridad.

Sin embargo, el culpable de que el “giallo” florezca y se asiente su iconografía (consiguiendo que el asesinato, ya siempre con arma blanca) fue Darío Argento, gracias a “El pájaro de las plumas de cristal” (1970). A partir de ahí se produce un auténtico “boom” por el amarillo en Italia, y en los siguientes años se produce una auténtica avalancha de títulos y un asalto de las carteleras europeas y americanas.

La trama funciona en el giallo como excusa para enlazar lo que importa de verdad: extensas secuencias de crueles asesinatos “operísticos” y granguiñolescos con un gran trabajo técnico. Éstas secuencias son las más “curradas” de la peli, puntos de clímax que siempre comienzan con un plano subjetivo donde vemos a través de los ojos del asesino, con una música inquietante con arreglos inusuales que nos anticipa lo que está por venir. Además, entre crimen y crimen también podremos deleitarnos con el exquisito uso del scope, la música y de vez en cuando, algún desnudo de una jamona italiana, donde destaca por méritos propios, la bella Edwige Fenech. Conocida por estos lares más por las comedias de erotismo zafio que protagonizó más tarde junto a Jaimito (Alvaro Vitalli) en títulos que emitió y repitió Tele 5 en su etapa “cadena amiga”, como La profesora y el último de la clase.

El fin del giallo se sitúa oficialmente en el año 1982 con la película Ténebre de Darío Argento, aunque la muerte de este subgénero morboso, voyeur y cargado de tintes eróticos no está tan clara, porque el director romano ha seguido intentando mantenerlo con vida y este mismo año estrena La terza madre, con la que concluye la trilogía de terror sobrenatural comenzada por Suspiria (1977) e Inferno (1980). ¿Y qué es lo que dejó el giallo? Pues un puñado de títulos notables y muy disfrutables que iré reseñando por aquí, además de dinamitar el sistema de censura de los países europeos y de influir a otras filmografías y directores, como en el caso del director de culto Nicolas Roeg en Amenaza en la sombra (1973), rodada en Venecia. La continuación natural del giallo es el slasher norteamericano de los 80, con sagas como las de Halloween (J. Carpenter, 1978) o Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980). También hay influencias notables en películas como en la opera prima como director de Clint Eastwood Escalofrío en la noche o en A la caza (William Friedkin, 1980). Además también son evidentes en la filmografía de Brian de Palma, especialmente en Vestida para matar (1980) e Impacto (1981). Así como en el manga Perfect Blue (1997) o en la exitosa Instinto Básico (1992).

AUDIOVISUAL

Canción de A doppia faccia (Riccardo Freda, 1969).

Tema central de Una sull' atra (Lucio Fulci, 1969), por Riz Ortolani.

TRAILER DE "TORSO" (Sergio Martino, 1973)

Otro ranking: musicales

Acabo de ver "El fantasma del paraíso" y he disfrutado como un niño, genial, una obra de culto y otro musical de rock a tener en cuenta. Después me he sumergido en la red para ver información sobre uno de mis géneros preferidos y que incomprensiblemente parece que no le gusta a nadie que conozco y como he visto barrabasadas tales como Chicago o Dreamgirls siendo ensalzados por mucha gente y considerados como grandes musicales de hoy día, paso a facilitar un pequeño y personal ranking de musicales modernos. No están todos los que son pero sí son todos los que están.Vamos allá.

1. The Rocky Horror Picture Show (1975): Mucho y muy bien se ha hablado ya sobre esta peli. Sus méritos son innegables: "transvestites from Transilvania", Susan Sarandon, Tim Curry, Meat Loaf, diversión y desvergüenza a raudales, glam rock, homenajes a la serie B de los años 50... Un clásico.
2. This is spinal tap (1984): Rob Reiner se inventó un falso documental sobre un falso grupo de heavy/hard rock que al final acabó existiendo. La película incluye un montón de situaciones delirantes y chistes inteligentes sobre los músicos, sus obsesiones, sus manías, las soluciones tan descabelladas que se les ocurren para salir del paso, las peleas entre componentes del grupo o "la maldición del batería". Inolvidable. (Abajo su descacharrante hit "Big Bottom")
3. El fantasma de la ópera (1974): De nuevo buena música y diversión en una mezcla entre Fausto y El fantasma de la ópera adaptada al mundo de la música rock. Con ese toque exagerado de Brian de Palma, que aporta soluciones visuales novedosas y originales. Ojalá se hicieran todavía pelis tan osadas como ésta.
4. Dentro del Laberinto (Labyrinth, 1986): David Bowie como rey de los Goblins, una Jennifer Connelly preciosa (bueno, sí, vale, en aquel entonces todavía no era mayor de edad, pero cuando vi la peli yo tampoco), las creaciones de Jim Henson, ¿qué más se puede pedir?
5. La tienda de los horrores (1986): Una peli que casi todo el mundo ha visto, pero que casi siempre se olvida incluir en este tipo de listas. El cachondo Frank Oz hacía un remake de la peli de terror de Roger Corman haciéndola mucho más divertida (bueno, hay que decir que adaptó un musical de Broadway ya existente), con un magnífico reparto plagado de estrellas de los 80. ¿Quién puede olvidar la voz de Audrey II, su mala leche y sus risas y ese número músical de Steve Martin cantando eso de "Hazte dentista". Simplemente G-E-N-I-A-L.

Acabo de darme cuenta que en mi lista no hay nada de los últimos 20 años, pero bueno, de todas formas pelis como Moulin Rouge o Bailando en la oscuridad las ha visto todo el mundo, ¿o no?
P.D. Se me ha olvidado mencionar otro musical grande, muy grande, y tal vez el más extraño que se ha rodado jamás: El hombre de mimbre, por supuesto la película de 1973 con Christopher Lee, sé que hace unos años perpretaron un remake con Nicolas Cage pero me niego no sólo a verlo, sino a reconocer su existencia.

Ranking Brian de Palma

Hola de nuevo. Como le he pasado el testigo a la prensidiaria de un tema serio y real que ocurrió este fin de semana y en el que estuve presente, yo me dedico a otro asunto insustancial y pajero, que es lo que me apetece hoy. Así que he decidido dedicar algo de mi tiempo a un director al que amo y desprecio casi a partes iguales y supongo que a muchos de ustedes les pasará lo mismo: Brian de Palma. Este sujeto dió sus primeros pasos en el cine de la mano de Roger Corman, al igual que sus amigos y colegas Martin Scorsese y Francis Ford Coppola. En estas primeras películas comenzó a trabajar con Robert de Niro cuando los dos eran unos desconocidos y la verdad que esta parte de su filmografía no he podido verla. El trabajo de este italoamericano no comienza a llamar la atención de crítica y público hasta la llegada de Hermanas, en 1973. ¿Y qué es lo que nos ha ofrecido desde entonces? Pues películas buenas, geniales, malas así como deleznables ponzoñas. Lo único que se ha mantenido constante más o menos a lo largo del tiempo son sus referencias/homenajes/plagios al maestro Hitchcok.
Empecemos con el ranking con sus TRABAJOS DE DIEZ:

1. El precio del poder (Scarface, 1983): Esta peli no es perfecta y tiene muchos fallos, sin embargo, creo que merece estar en este puesto porque Tony Montana se ha convertido en un icono de la cultura pop, citado en la canción Todo por la napia de Siniestro Total, protagonista de camisetas y con un repertorio de frases inolvidable, como "Lo único que tengo en este mundo son mi palabra y mis pelotas y no estoy dispuesto a romperlas". Además también inspiró y bastante el videojuego GTA Vice City, que tantos ratos buenos me ha hecho pasar. Por lo visto su influencia entre la mafia ha sido tan impresionante que muchos mafiosos imitan su forma de vestir y sueñan con una mansión como la que consigue el prota al final. Aunque el mérito de esta peli no recae sólo en DePalma, por lo visto era un proyecto personal de Al Pacino, que quería hacer un remake del clásico Scarface, el terror del hampa (1932, Howard Hawks). El proyecto cambió con el tiempo y el guión fue a parar a manos de Oliver Stone, el resto es leyenda.
2. Atrapado por su pasado (Carlito's way, 1993). Ésta creo que aún me gusta más que la anterior. Después de una serie de fracasos, De Palma decidió retomar el género de gangsters y nos dejó el que para mí es su mejor trabajo. La película está llena de secuencias inolvidables, desde la partida de billar hasta la trepidante persecución final en la estación de metro/tren. Además Sean Penn hace un papelón y está irreconocible. A destacar también la banda sonora, setentera y discoquetera (¿acaso no es "Lady Marmalade" la mejor música de fondo para una huida?).
3. Carrie (1976). La película que cambió (los finales del) cine de terror, que lanzó la carrera de John Travolta (la protagonista, Sissy Spacek, ya venía de hacer Malas tierras) y desató el furor por las adaptaciones de Stephen King. También se pueden ver haciendo papeles muy cortos a Mark Hamill/Luke Skywalker y Carrie Fisher/Leia, y es que Lucas y De Palma eran amigos y los recomendó para la saga galáctica (aunque también he oído que el italiano se partió la caja cuando Lucas enseñó en una sesión privada las primeras escenas de Star Wars, "¿Qué coño es eso de la Fuerza?", decía el insensato entre carcajadas y profetizó que iba a ser un batacazo en taquilla, como adivino no tiene futuro este hombre). Pues eso, que nunca la telequinesis fue tan acojonante. Escenas memorables: el baño de sangre que le dan a Carrie y el final (auténtico) que sigue al final (falso).
4. Impacto (Blow out, 1981). Como su título original indica, un homenaje/remake del Blow up de Antonioni, donde Travolta y la por aquel entonces esposa de Brian en la vida real, Nancy Allen, son los únicos testigos de un accidente que después resulta ser un asesinato. Ambos intentarán demostrar su teoría mientras un asesino a sueldo sigue sus huellas. La peli le debe mucho al giallo italiano y aquí el estilo exagerado y efectista del director le va muy bien a la historia. En cuanto a escenas memorables, yo diría que son todas las secuencias de asesinatos portagonizadas por el despiadado John Lithgow (Mi marciano favorito). Una pequeña joya que no ha recibido toda la atención que merece.
5. Hermanas (Sisters, 1973). Todavía producida por la productora AIP de Roger Corman, aquí el director se marcó un buen tanto y realizó su salto a la fama internacional. Y es que la película lo merece: es una pequeña obra maestra a pesar de los constantes guiños y homenajes a Hitchcok, entre los que destaca que el responsable de la banda sonora sea el gran Bernard Herrmann, en cuyo currículum estaban las partituras para Psicosis, Vértigo, Marnie... Un film inquietante, desasogante, terrorífico a ratos y muy entretenido. La protagonista fue Margot Kidder (Superman). Mi escena preferida es el flashback en donde conocemos la historia de las hermanas, la música de Herrmann lo convierte en una auténtica pesadilla.
   
6. Nota: a lo mejor aquí merecería estar El Fantasma del Paraíso (1974), pero no la he visto.
   

Por ahora, todo pinta bien, parece mentira que no le hayan dado un oscar al hombre,¿no? Seguimos con los trabajos reseñables, de notable, vamos.

1. La furia (The fury, 1978). El siguiente trabajo después de Carrie tenía mucho que ver con su predecesora y de nuevo volvían a aparecer los poderes mentales y la telequinesia en particular, pero es una película muy diferente, que recuerda lejanamente a Con la muerte en los talones y que tiene un toque de aventuras y thriller. Todo comienza cuando un agente creo que de la CIA (Kirk Douglas!) sobrevive al intento de asesinato de su amigo y compañero (John Cassavettes!!!) que sí consigue secuestrar a su hijo. Así que no parará hasta encontrar a su hijo y vengarse del traidor. A destacar el sentido del humor (muy de Hichtcock) que impregna gran parte de la cinta, porque al final se torna muy oscura.
2. Los intocables de Elliot Ness (The untouchables, 1987). Aquí para la banda sonora contó con Ennio Morricone y se notó. Y en cuanto a los intérpretes, qué decir de Sean Connery o de Robert de Niro como Al Capone? Si hasta Kevin Costner y Andy Garcia actúan bien! Del guión se ocupó el siempre interesante David Mamet. Inolvidable el plagio/homenaje a la escena del carrito de bebé cayendo por las escaleras de El acorazado Potemkin. Así como el montaje paralelo que simultanea la muerte de Connery con de Niro llorando en la ópera mientras escucha el aria "Vesti la giubba".
   
3. Nota: como ya me estoy cansando, me limito a mencionar Misión Imposible, Corazones de hierro y Vestida para matar.

Bueno, bueno, ya me estoy aburriendo de tantos elogios, pasemos a los fiascos:

1. Fascinación (Obsession,1976). O Vértigo en clave de De Palma. Una historia confusa y aburrida de un tipo que no olvida a su mujer y que muchos años después de su muerte se enamora de una tía que es una réplica exacta de su media naranja fenecida. La solución al misterio está clara,¿no? Sólo se salva la magnífica banda sonora de Bernard Herrmann.
2. Doble Cuerpo (Body double, 1984). De nuevo plagiando al Sr. Hitchcock: La ventana indiscreta, Vértigo y etc, etc... En España se tradujo literalmente el título y da la impresión que va de alguien que tiene dos cuerpos cuando trata sobre una doble de cuerpo (una actriz que dobla a una estrella en las escenas de desnudo), pero aún así creo que tuvo éxito, sería por la carátula tan sugerente del VHS. Lo único que mola es que sale el grupo Frankie Goes To Hollywood cantando Relax y para tratar sobre el mundo del porno la verdad que la peli era muy casta.

Y ahora ya, las pelis por la que este señor deberá expiar sus culpas en el Infierno durante siglos:

1. La hoguera de las vanidades (1990): ¿Por dónde empezar? Lo más imperdonable bajo mi punto de vista es que se cargó una de las mejores novelas del siglo XX y además parece que ni siquiera se la leyó, porque llegando a su cuarto final el guión ya no tiene nada que ver con lo que escribió Tom Wolfe. La mala leche de la novela se disuelve y se convierte al final en una comedia que no hace reir y una película crítica que no critica nada. Luego los actores no podían estar peor elegidos: el soso de Tom Hanks, Bruce Willis como periodista cínico (cuando en la novela era mucho más repugnante y trepa) y de nuevo Melanie Griffith (o Grifa) que está insufrible y además no contentos con eso, a su papel le dan mucho más protagonismo del que tenía en la novela. De juzgado de guardia.
2. La dalia negra (2006). De nuevo la misma historia: una mala elección de actores que no concuerda con los personajes que interpretan y otra vez un libro excelente tirado a la basura. En vez de complicarse la vida en hacer un poco más sencilla la trama de James Ellroy (como hicieron en LA Confidential con éxito), el director se lo lleva a su terreno y la convierte en una sucesión de golpes de efecto que confunde al espectador (que se aburre como las ostras)
3. Snake Eyes (1998): Aquí llegó ya casi a lo más bajo de su carrera. Vaya bodrio más infumable: una trama estúpida e inverósimil protagonizada por el siempre insoportable Nicolas Cage. Además desde el principio adivinas quién es el malo y qué es lo que va a pasar. Lo único que me gustó es la pequeña historia que sucede mientras pasan los títulos de crédito.
   
4. Nota: Otro bodrio reseñable sería En nombre de Caín, pero nunca la he visto entera
   

Conclusión: que el estilo "DePalmesco" queda muy bien cuando el material de partida no es demasiado profundo (como hemos visto quedan descartadas novelas con una temática y/o argumento complejos) y cuando el tío cuenta con un buen equipo técnico que lo respalde. En fin, esperaremos a ver qué nos depara en el futuro. A pesar de sus muchos patinazos, todavía me parece más interesante que otros directores de su generación como Spielberg, Lucas o Coppola (cuya carrera ha entrado en caída desde hace una década al menos).

Ocean's Thirteen, Planeta Imaginario y El Resplandor

A veces las relaciones entre los músicos y las bandas sonoras es sorprendente. Escuchando la banda sonora de Ocean's 13 (la peli ni la he visto ni me llama la atención), que ha compuesto el Dj David Holmes encuentro una pequeña rareza (Holmes no se limita a componer, sino que también hace gala de sus conocimientos encontrando canciones buenísimas e ignotas) del japonés Isao Tomita, la sonata Claro de Luna de Debussy interpretada con un sintetizador antiguo (creo que un Moog) y me ha recordado la sintonía del programa Planeta Imaginario, que emitió TVE durante los 80. La cabecera usaba una música también de Claude Debussy, concretamente el Arabesco nº 1, también con sintetizador. Y resulta que he acertado, también era el mismo japonés. Pero las coincidencias no acaban ahí, pues Tomita se fascinó por los sintetizadores después de escuchar al argentino Walter Carlos (a.k.a. Wendy Carlos después de su operación de cambio de sexo), responsable de gran parte de la banda sonora de El Resplandor, de Kubrick. En fin, otra relación extraña que no tiene mayor importancia, pero tenía ganas de compartirla con ustedes.

David Holmes

Wendy Carlos

El disco de las versiones

The Wanderers (Philip Kaufman, 1979)

Conocida en España como "Las Pandillas del Bronx", Philip Kaufman dirigió esta película un año después de "La invasión de los ultracuerpos", un remake que, sin superar a la original, lo modernizaba e incluía elementos muy interesantes (como el que las "copias" invasoras señalaran a los humanos todos con el dedo mientras gritaban, acojona tronco, acojona).
Empecemos hablando del currículum de este guionista y director, que si bien en los noventa parece que perdió el Norte, hizo antes cosas realmente interesantes. Como guionista, escribió uno de los mejores films de Eastwood: El fuera de la ley y también participó en los guiones de En busca del arca perdida e Indiana Jones y la última cruzada. Y en la dirección, aparte de las ya mencionadas, es responsable de éxitos ochenteros como Elegidos para la gloria o La insoportable levedad del ser".
Pasando a la película, pues qué les voy a decir, una pequeña joyita que remite directamente a otro clásico American Graffitti, de George Lucas. Como ocurría en aquella, la banda sonora está llena de éxitos nostálgicos de la música americana (oldies but goldies) y también conocemos las peripecias de un grupo de jóvenes, a los que no les pasa nada y les pasa de todo, vamos que están empezando a conocer la vida, con sus alegrías y sus decepciones. La verdad es que cuando vi The Wanderers me gustó más que la de Lucas, no sé, sería que ya tengo muy vista American.. pero me pareció más verista esta peli que la otra. Será porque en el film de Lucas todo ocurre en una noche y la historia está muy condensada, parecen demasiadas cosas para una noche. Además en The Wanderers hay más humor, más violencia y más sexo que en la otra (todos sabemos que el Sr. Lucas es muy políticamente correcto). Además, Las Pandillas del Bronx me transmitió ese no sé qué especial que sólo tienen ciertas películas y es que te hacen olvidar que estás viendo una peli para meterte dentro. En fin, señores, otro a must see para sus filmotecas o emuletecas.

Dos canciones de la BSO: The Chantays - Pipeline / Lee Dorsey - Ya ya

Sabias palabras

"En preguntar lo que sabes
el tiempo no has de perder...
Y a preguntas sin respuesta
¿quién te podrá responder?"

A.Machado

Cinema escondido: "Dead man's shoes" (2004)

A lo mejor me equivoco al colocar esta película en el apartado "cinema escondido", pero la verdad es que nunca había oído hablar de ella y la conocí a través del top de imdb, aunque me han dicho que en su país de origen, Reino Unido, sí es más conocida.
Aunque es una peli que recomiendo, tengo que advertir de una cosa: da un poco de mal rollo, no es una película agradable, aunque tenga momentos divertidos. Por eso he tardado tanto en recomendarla, porque desde hace tiempo suelo evitar las obras que crean malestar en el espectador.
En cuanto a la película en sí, es una puta obra maestra. Mezcla elementos de cine negro y western y en un ambiente a priori extraño para estos géneros: el mundo rural.
La motivación del personaje es tan antigua como el hombre: la venganza. Un ex militar (Paddy Constantine) vuelve a su pueblo natal para librar una vendetta contra un grupo de mafiosillos que abusaron de su hermano retrasado.

El plan es tan sencillo como eficaz y aunque en un primer momento es muy divertido (a unos mafiosos les pinta la cara de payaso con spray mientras duermen), pronto pasará a acabar con ellos de la forma más realista y cruel, hasta llegar a la parte final, donde ya se hace insoportable ver cómo el protagonista los mata a sangre fría.
La cinta me recordó muchas cosas: en primer lugar, a Lady Snowblood, por cómo la venganza prosigue a pesar de que las víctimas se arrepientan sinceramente y sintamos compasión por su patetismo. También, en cierto modo a ciertos films de Sam Peckinpah, por la poesía de los perdedores, por la violencia desgarrada y por la desesperación del protagonista, aunque al final, no ocurrirá como en Quiero la cabeza de Alfredo García, donde empatizábamos del todo con el personaje de Warren Oates en su cruzada desesperada contra los poderosos que le jodieron la vida. Al contrario de lo que ocurre en la mayoría de los productos de acción convencional, el personaje de Paddy Constantine se verá trastornado por la escalada de violencia que ha generado y comprenderá que se ha convertido en algo peor que los mafiosos. El tono realista del film ayuda bastante a ese desprecio por la violencia. Hay un momento que recuerda a El último boy scout, cuando Bruce Willis dice eso de "si me tocas, te mato". Si en la cinta de Tony Scott era algo divertido, aquí se repite una escena muy parecida ("Te voy a matar, joder") pero que nos produce rechazo por su verismo.
Un momento que me llamó la atención bastante es cuando los mafiosos se encaran con el vengador, el personaje de Gary Stretch se acerca a él "chuleándole" y con un tono irónico de superioridad, a lo que el prota responde con toda sinceridad: "Sí, fui yo quien lo hice y os voy a matar a todos, uno por uno". Momento western puro en un desolado paisaje rural inglés.
En fin, una cinta a reivindicar y una reflexión sobre la violencia y el "ojo por ojo" a la altura (salvando las distancias) de Sin perdón de Clint Eastwood.
Ah, casi se me olvidaba, mucha gente compara esta peli con la magistral (y un must see) Asesino implacable (Get carter) que interpretara Michael Caine en el año 1971. Y sí, tiene puntos en común, por aquello de que son dos noir ingleses ambientados en la campiña y dos historias de venganza impregnadas de melancolía, pero creo que el parecido acaba ahí, que cada uno saque sus propias conclusiones.