It's Halloween

Quería regalarles una recopilación de música para este día, pero habrá que esperar, porque un virus me ha dejado sin la mitad de mis discos y todavía tiene mi PC temblando. Anyway, feliz Halloween!

La casa dalle finestre che ridono (1976)

Otra peli rara, rara, rara que si no fuera por el P2P pues a lo mejor no podría haberla visto nunca, porque aquí en España no se llegó a estrenar. Dirigida por Pupi Avati, "La casa de las ventanas que ríen" es una peli marginada dentro de un subgénero marginado como es el giallo. Además se inscribe en una categoría aparte que yo llamaría "terror rural" y que la distancia de los gialli y de la mayoría de films de terror (vale, Viernes 13 o La matanza de Texas también ocurren en el campo, pero tienen más que ver con el subgénero llamado "American Gothic", propio de USA).
Por extraño que parezca, este film tiene más de un punto en común con "El hombre de mimbre", de nuevo un forastero que porta consigo los valores de la civilización llega a un pequeño pueblo donde parecen regir otras costumbres y normas "extrañas" que parecen anteriores a la llegada del capitalismo, el racionalismo e incluso la sociedad patriarcal. Además, de nuevo nos encontramos un buen número de referencias a la religión, con mención especial para la iconografía religiosa y concretamente al martirio de San Sebastián (el protagonista llega al pueblo para restaurar un fresco dedicado "supuestamente" al santo). Otro elemento que la emparenta con el film de culto inglés es la belleza del paisaje, en este caso recalcada por una fotografía bellísima que destaca los verdes parajes de la Romaña y que lo aleja de paso del barroquismo visual típico del giallo.
Como dije en la sección de cuentos de terror, el miedo (para nosotros, hijos de las Luces y de la Razón) sobreviene cuando lo irreal, lo fantástico, lo irracional empieza a invadir nuestro mundo, o al revés, es el protagonista el que entra en un mundo de pesadilla gracias a su obsesión por un artista enloquecido. La trama se puede ver también como un admirador del arte y artista observador y no creador, como un restaurador, se siente fascinado por un artista que lleva al extremo el proceso creativo y que se inspira de una forma un tanto radical.
Bueno y como tengo poco tiempo y no quiero revelar detalles de la trama fundamentales, decir que lo mejor es el final, como ocurre habitualmente en el giallo el asesino es quien menos esperabas, pero esta vez es absolutamente desasogante y subversivo. En un primer momento puede dar risa pero te deja un mal rollito después... Lo dicho, que os la recomiendo si os gusta The wicker man, Twin Peaks y las pelis de terror diferentes.

Los Nuggets

Gracias a Kale he sabido recientemente de la existencia de varios recopilatorios Nuggets. En principio sólo conocía la existencia de uno, que salió a la luz en 1972 en vinilo y fue reeditado en el 98 por Rhino añadiéndole tres cd's más de lo mejor del garage y la psicodelia de los 60-70, con grupos desconocidos y otros no tanto (Love, Captain Beefheart...). Un album mítico que influyó en el estallido posterior del punk y que influyó a toda una generación de rockeros, siendo una referencia también para los grupos de garage y de noise. Si esta primera entrega ya era para dedicarle varias horas de escucha, las "nuevas" son para dedicarle un año al menos.
La segunda parte, "Nuggets 2 Artyfacts from the British Empire and beyond", sigue el mismo concepto que la original pero dedicando esta vez cuatro cd's a Inglaterra y otros países como Japón y España! (incluyen a Los Bravos), de nuevo grupos desconocidos, semidesconocidos y otros más o menos famosos, como los Them de Van Morrison o Status Quo, que no tenía ni idea de que tuvieron una etapa psicodélica.
Pero no quisieron parar ahí y continuaron con "Hallucinations. Psychedelic Pop Nuggets", esta vez un único disco que indaga, como su nombre indica, a grupos que mezclaron la psicodelia con el pop y que al parecer no tuvieron mucho éxito en su día al considerlos un poco "blanditos" en su momento. Completamente disfrutable.
Y llegamos a mi preferido, si es que uno puede preferir alguna de estas selecciones, es "Children of Nuggets. 2nd Psychedelic Era (1976-1996)", donde se hace un extenso repaso por la década de los ochenta, no por obvio menos necesario. Entre una multitud de grupos desconocidos, que desde luego merecen ser revisitados, nos encontramos a nombres imprescindibles, como The Fuzztones, The Fleshtones, The dream syndicate, The Pandoras, The Barracudas, The Lyres... junto a alguna sorpresa, como un tema de las Bangles.
Por último, acaba de salir hace poco otra caja dedicada a San Francisco durante el período 1965-1970, donde se produjo un estallido de hippismo, mestizaje y psicodelia. En éste también podemos escuchar grandes bandas como Sly & The Family Stone o Big Brother & The holding Company, Santana o Jefferson Airplane junto a las ya habituales referencias ignotas.
Un trabajo titánico que recupera multitud de propuestas que suenan más actuales que nunca.

"Will Penny" (Tom Gries, 1968)

Conocida en España como "El más valiente entre mil" por uno de esos caprichos de los traductores de títulos, este film, sin temor a exagerar, es uno de los mejores westerns de la historia del cine y también uno de los más desconocidos y minusvalorados. Por otra parte, también se puede aseverar, sin temor a equivocarse, que Charlton Heston nos brindó aquí su mejor trabajo de interpretación y es que mostró su "lado humano" y lo hizo creíble. Después de ver la peli uno cree que Will Penny sólo podía ser Heston, igual queTony Soprano sólo puede ser James Gandolfini. También destaca el papel de Donald Pleasence, un gran secundario, haciendo de un sádico predicador/forajido que no para de recitar la biblia y de Bruce Dern, un actor que trabajaba a destajo en los 70, como su malvado y embrutecido hijo. En cuanto al director, Tom Gries, pese a su excelente trabajo es prácticamente un desconocido que se dedicó casi completamente a la televisión.
Pero las virtudes de esta cinta no acaban aquí, la fotografía es magnífica y nos muestra un oeste "diferente" (luego otras películas también nos volverían a mostrar el salvaje oeste desde una óptica distinta) :con montañas nevadas y colores otoñales en vez de las praderas o desiertos típicos. Luego la historia es genial y se aleja también de la épica del western (por eso me da coraje que se llamara El más valiente entre mil, cuando Heston no hace uso de la violencia en casi ninguna parte del film y la primera vez que hace uso de ella resulta malherido): Will Penny es un vaquero maduro, bruto e iletrado que tiene un desencuentro con una banda de maleantes que lo dejan medio muerto y es una mujer que viaja con su hijo para encontrarse con su marido quien lo salva y lo cuida. Los tres pasan el crudo invierno en una cabaña que ocupa Penny para cuidar un rebaño mientras esperan el regreso de la banda de forajidos, ya que Heston mató a uno de sus hijos. Y Penny conocerá a lo largo del invierno que hay otro tipo de vida y, como es habitual, se enamorará de la mujer.
Éste es, a grandes rasgos, el argumento, que a primera vista ya es original, pero al ver la peli se vuelve más original todavía, porque está alejado de los tópicos del género (y casi del cine estadounidense, en general), porque el enamoramiento entre los personajes está plasmado de forma muy sutil, con pequeños detalles y además los personajes están tratados con mucho respeto, sin maniqueísmos, Heston no es el típico macho alfa acartonado con el que se suele relacionar, sino un tipo que te cae simpático, con sus defectos y virtudes, un poco patético y un poco brutote, pero "honrado y trabajador", lo que nuestros abuelos admiraban, un tío legal.
Luego está el tratamiento del tempo narrativo, que es lento (ojo, no aburrido) y que a mí me recordó un poco al del cine nipón (es que Will Penny podría ser un samurai y la historia trasladarse al Japón feudal perfectamente). En fin, una peli que os recomiendo fervientemente si os gustan las del Oeste y si no os gustan también, merece mucho la pena ver esta joya oculta.

Y abandonando el tono relajado quería soltar unos exabruptos dirigidos hacia todos aquellos que acusan a Charlton Heston de ser un "facha". "All due respect", fascista o no, todos esos "artistas comprometidos" y muy de izquierdas deberían de comerle el nabo al Señor Heston, empezando por Matt Damon, George Clooney, Leonardo Di Caprio y terminando por Michael Moore (lo siento, pero no me hizo ni puta gracia el acoso al que lo sometió al final de "Bowling for Columbine"). -Por no hablar de los paniguados de nuestro país, las subvenciones han conseguido que florezca una escena muy progre y rebelde- Y es que pocos actores vivos cuentan con un currículum parecido al de este hombre, señalo sólo unas pocas maravillas: "Cuando ruge la marabunta" (o ensayo sobre la sexualidad femenina); "Horizontes de grandeza" (donde hace de malote); "Sed de Mal" (simplemente, una Obra Maestra que rodó Orson Welles gracias al empeño de Heston) o "Cuando el destino nos alcance" (alegato ecológico y apocalíptico). Además, trabajó con muchos de los mejores directores de la industria del cine, algunos de ellos auténticos "outsiders", como Sam Peckinpah o el mencionado Orson Welles.

Is that all there is

Peggy Lee - Is that all there is

Recuerdo que cuando era pequeña nuestra casa se incendió.
Nunca olvidaré la cara de mi padre mientras me sacaba en brazos
del edificio ardiendo hasta la calle.
Me quedé allí tiritando en pijama y miraba el mundo entero consumirse en llamas.
Y cuando acabó me dijé a mi misma, "Eso es todo lo que queda después del fuego"

ESTRIBILLO:
¿Eso es todo lo que hay?, ¿Eso es todo lo que hay?
Si eso es todo lo que queda, amigos, entonces sigamos bailando
Bebamos un trago y pasemos un buen rato
Si eso es todo lo que hay

Cuando tenía 12 años, mi padre me llevó a un circo, el mayor espectáculo del mundo.
Había payasos y elefantes y osos bailarines.
Y una bella trapecista en mallas rosas voló sobre nuestras cabezas.
Y mientras estaba allí mirando el fabuloso espectáculo
tuve el sentimiento de que faltaba algo,
no sé el qué, pero cuando terminó,
me dije a mí misma, "¿eso es el circo?
(Estribillo)
Después me enamoré del chico más maravilloso del mundo.
Dábamos largos paseos por el río o sólo nos quedábamos horas mirándonos a los ojos.
Estábamos muy enamorados.
Un día se fue y creí que me moría, pero no lo hice,
y entonces me dije a mí misma, "¿esto es lo que queda después del amor?"
(Estribillo)
Sé que tienen que estar diciéndose a sí mismos,
si se siente de esa manera ¿por qué no acaba de una vez con todo?
Oh, no, no yo. No tengo prisa por esa decepción final,
tengo tan claro como que estoy aquí ahora hablándoles a ustedes,
que cuando el momento final llegue y exhale mi último suspiro, me diré a mí misma:

¿Eso fue todo?, ¿eso fue todo?... (estribillo)

(Adaptación libre y un poco pedestre de este maravilloso tema, invitación hedonista y exquisita al carpe diem basada, según parece, en un relato de Thomas Mann)

Canción "mítica"

Ya sé que esta canción es una chorrada, pero siempre me hace sonreír

El giallo italiano

“Giallo” significa en italiano amarillo y muy pronto se relacionó en este país ese color con las novelas de misterio y policíacas, debido a una línea de la editorial Mondadori que nació en 1929 y cuyas portadas eran gualdas. Eran novelas “pulp”, de entretenimiento barato, donde la línea argumental era básicamente descubrir quién era el asesino o el ladrón en la historia entre un nutrido grupo de sospechosos, básicamente un “whodunit” (quién-lo-hizo) al estilo de Agatha Cristie. Tanto es así, que las novelas de la inglesa fueron reeditadas dentro de esta misma colección. Con el paso del tiempo sus portadas comenzaron a incluir dibujos de chicas atractivas ligeras de ropa para llamar la atención del público. Esta colección goza de éxito aún hoy en día y ha conseguido que en Italia “giallo” y “thriller” sean prácticamente sinónimos.

Pero volviendo al cine, el trasvase del papel al celuloide lo realiza por primera vez el pionero Mario Bava en 1962 con La muchacha que sabía demasiado (Sí, remite directamente a un título de Hitchcock), donde ya aparecen elementos característicos, pero es dos años después con Seis mujeres para el asesino donde las pautas del género (casi) se definen completamente y aparece ya nuestro prototípico asesino con la cara tapada y guantes de cuero que gusta de rajar y maltratar a muchachitas guapas e indefensas en la oscuridad.

Sin embargo, el culpable de que el “giallo” florezca y se asiente su iconografía (consiguiendo que el asesinato, ya siempre con arma blanca) fue Darío Argento, gracias a “El pájaro de las plumas de cristal” (1970). A partir de ahí se produce un auténtico “boom” por el amarillo en Italia, y en los siguientes años se produce una auténtica avalancha de títulos y un asalto de las carteleras europeas y americanas.

La trama funciona en el giallo como excusa para enlazar lo que importa de verdad: extensas secuencias de crueles asesinatos “operísticos” y granguiñolescos con un gran trabajo técnico. Éstas secuencias son las más “curradas” de la peli, puntos de clímax que siempre comienzan con un plano subjetivo donde vemos a través de los ojos del asesino, con una música inquietante con arreglos inusuales que nos anticipa lo que está por venir. Además, entre crimen y crimen también podremos deleitarnos con el exquisito uso del scope, la música y de vez en cuando, algún desnudo de una jamona italiana, donde destaca por méritos propios, la bella Edwige Fenech. Conocida por estos lares más por las comedias de erotismo zafio que protagonizó más tarde junto a Jaimito (Alvaro Vitalli) en títulos que emitió y repitió Tele 5 en su etapa “cadena amiga”, como La profesora y el último de la clase.

El fin del giallo se sitúa oficialmente en el año 1982 con la película Ténebre de Darío Argento, aunque la muerte de este subgénero morboso, voyeur y cargado de tintes eróticos no está tan clara, porque el director romano ha seguido intentando mantenerlo con vida y este mismo año estrena La terza madre, con la que concluye la trilogía de terror sobrenatural comenzada por Suspiria (1977) e Inferno (1980). ¿Y qué es lo que dejó el giallo? Pues un puñado de títulos notables y muy disfrutables que iré reseñando por aquí, además de dinamitar el sistema de censura de los países europeos y de influir a otras filmografías y directores, como en el caso del director de culto Nicolas Roeg en Amenaza en la sombra (1973), rodada en Venecia. La continuación natural del giallo es el slasher norteamericano de los 80, con sagas como las de Halloween (J. Carpenter, 1978) o Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980). También hay influencias notables en películas como en la opera prima como director de Clint Eastwood Escalofrío en la noche o en A la caza (William Friedkin, 1980). Además también son evidentes en la filmografía de Brian de Palma, especialmente en Vestida para matar (1980) e Impacto (1981). Así como en el manga Perfect Blue (1997) o en la exitosa Instinto Básico (1992).

AUDIOVISUAL

Canción de A doppia faccia (Riccardo Freda, 1969).

Tema central de Una sull' atra (Lucio Fulci, 1969), por Riz Ortolani.

TRAILER DE "TORSO" (Sergio Martino, 1973)

Otro ranking: musicales

Acabo de ver "El fantasma del paraíso" y he disfrutado como un niño, genial, una obra de culto y otro musical de rock a tener en cuenta. Después me he sumergido en la red para ver información sobre uno de mis géneros preferidos y que incomprensiblemente parece que no le gusta a nadie que conozco y como he visto barrabasadas tales como Chicago o Dreamgirls siendo ensalzados por mucha gente y considerados como grandes musicales de hoy día, paso a facilitar un pequeño y personal ranking de musicales modernos. No están todos los que son pero sí son todos los que están.Vamos allá.

1. The Rocky Horror Picture Show (1975): Mucho y muy bien se ha hablado ya sobre esta peli. Sus méritos son innegables: "transvestites from Transilvania", Susan Sarandon, Tim Curry, Meat Loaf, diversión y desvergüenza a raudales, glam rock, homenajes a la serie B de los años 50... Un clásico.
2. This is spinal tap (1984): Rob Reiner se inventó un falso documental sobre un falso grupo de heavy/hard rock que al final acabó existiendo. La película incluye un montón de situaciones delirantes y chistes inteligentes sobre los músicos, sus obsesiones, sus manías, las soluciones tan descabelladas que se les ocurren para salir del paso, las peleas entre componentes del grupo o "la maldición del batería". Inolvidable. (Abajo su descacharrante hit "Big Bottom")
3. El fantasma de la ópera (1974): De nuevo buena música y diversión en una mezcla entre Fausto y El fantasma de la ópera adaptada al mundo de la música rock. Con ese toque exagerado de Brian de Palma, que aporta soluciones visuales novedosas y originales. Ojalá se hicieran todavía pelis tan osadas como ésta.
4. Dentro del Laberinto (Labyrinth, 1986): David Bowie como rey de los Goblins, una Jennifer Connelly preciosa (bueno, sí, vale, en aquel entonces todavía no era mayor de edad, pero cuando vi la peli yo tampoco), las creaciones de Jim Henson, ¿qué más se puede pedir?
5. La tienda de los horrores (1986): Una peli que casi todo el mundo ha visto, pero que casi siempre se olvida incluir en este tipo de listas. El cachondo Frank Oz hacía un remake de la peli de terror de Roger Corman haciéndola mucho más divertida (bueno, hay que decir que adaptó un musical de Broadway ya existente), con un magnífico reparto plagado de estrellas de los 80. ¿Quién puede olvidar la voz de Audrey II, su mala leche y sus risas y ese número músical de Steve Martin cantando eso de "Hazte dentista". Simplemente G-E-N-I-A-L.

Acabo de darme cuenta que en mi lista no hay nada de los últimos 20 años, pero bueno, de todas formas pelis como Moulin Rouge o Bailando en la oscuridad las ha visto todo el mundo, ¿o no?
P.D. Se me ha olvidado mencionar otro musical grande, muy grande, y tal vez el más extraño que se ha rodado jamás: El hombre de mimbre, por supuesto la película de 1973 con Christopher Lee, sé que hace unos años perpretaron un remake con Nicolas Cage pero me niego no sólo a verlo, sino a reconocer su existencia.

Ranking Brian de Palma

Hola de nuevo. Como le he pasado el testigo a la prensidiaria de un tema serio y real que ocurrió este fin de semana y en el que estuve presente, yo me dedico a otro asunto insustancial y pajero, que es lo que me apetece hoy. Así que he decidido dedicar algo de mi tiempo a un director al que amo y desprecio casi a partes iguales y supongo que a muchos de ustedes les pasará lo mismo: Brian de Palma. Este sujeto dió sus primeros pasos en el cine de la mano de Roger Corman, al igual que sus amigos y colegas Martin Scorsese y Francis Ford Coppola. En estas primeras películas comenzó a trabajar con Robert de Niro cuando los dos eran unos desconocidos y la verdad que esta parte de su filmografía no he podido verla. El trabajo de este italoamericano no comienza a llamar la atención de crítica y público hasta la llegada de Hermanas, en 1973. ¿Y qué es lo que nos ha ofrecido desde entonces? Pues películas buenas, geniales, malas así como deleznables ponzoñas. Lo único que se ha mantenido constante más o menos a lo largo del tiempo son sus referencias/homenajes/plagios al maestro Hitchcok.
Empecemos con el ranking con sus TRABAJOS DE DIEZ:

1. El precio del poder (Scarface, 1983): Esta peli no es perfecta y tiene muchos fallos, sin embargo, creo que merece estar en este puesto porque Tony Montana se ha convertido en un icono de la cultura pop, citado en la canción Todo por la napia de Siniestro Total, protagonista de camisetas y con un repertorio de frases inolvidable, como "Lo único que tengo en este mundo son mi palabra y mis pelotas y no estoy dispuesto a romperlas". Además también inspiró y bastante el videojuego GTA Vice City, que tantos ratos buenos me ha hecho pasar. Por lo visto su influencia entre la mafia ha sido tan impresionante que muchos mafiosos imitan su forma de vestir y sueñan con una mansión como la que consigue el prota al final. Aunque el mérito de esta peli no recae sólo en DePalma, por lo visto era un proyecto personal de Al Pacino, que quería hacer un remake del clásico Scarface, el terror del hampa (1932, Howard Hawks). El proyecto cambió con el tiempo y el guión fue a parar a manos de Oliver Stone, el resto es leyenda.
2. Atrapado por su pasado (Carlito's way, 1993). Ésta creo que aún me gusta más que la anterior. Después de una serie de fracasos, De Palma decidió retomar el género de gangsters y nos dejó el que para mí es su mejor trabajo. La película está llena de secuencias inolvidables, desde la partida de billar hasta la trepidante persecución final en la estación de metro/tren. Además Sean Penn hace un papelón y está irreconocible. A destacar también la banda sonora, setentera y discoquetera (¿acaso no es "Lady Marmalade" la mejor música de fondo para una huida?).
3. Carrie (1976). La película que cambió (los finales del) cine de terror, que lanzó la carrera de John Travolta (la protagonista, Sissy Spacek, ya venía de hacer Malas tierras) y desató el furor por las adaptaciones de Stephen King. También se pueden ver haciendo papeles muy cortos a Mark Hamill/Luke Skywalker y Carrie Fisher/Leia, y es que Lucas y De Palma eran amigos y los recomendó para la saga galáctica (aunque también he oído que el italiano se partió la caja cuando Lucas enseñó en una sesión privada las primeras escenas de Star Wars, "¿Qué coño es eso de la Fuerza?", decía el insensato entre carcajadas y profetizó que iba a ser un batacazo en taquilla, como adivino no tiene futuro este hombre). Pues eso, que nunca la telequinesis fue tan acojonante. Escenas memorables: el baño de sangre que le dan a Carrie y el final (auténtico) que sigue al final (falso).
4. Impacto (Blow out, 1981). Como su título original indica, un homenaje/remake del Blow up de Antonioni, donde Travolta y la por aquel entonces esposa de Brian en la vida real, Nancy Allen, son los únicos testigos de un accidente que después resulta ser un asesinato. Ambos intentarán demostrar su teoría mientras un asesino a sueldo sigue sus huellas. La peli le debe mucho al giallo italiano y aquí el estilo exagerado y efectista del director le va muy bien a la historia. En cuanto a escenas memorables, yo diría que son todas las secuencias de asesinatos portagonizadas por el despiadado John Lithgow (Mi marciano favorito). Una pequeña joya que no ha recibido toda la atención que merece.
5. Hermanas (Sisters, 1973). Todavía producida por la productora AIP de Roger Corman, aquí el director se marcó un buen tanto y realizó su salto a la fama internacional. Y es que la película lo merece: es una pequeña obra maestra a pesar de los constantes guiños y homenajes a Hitchcok, entre los que destaca que el responsable de la banda sonora sea el gran Bernard Herrmann, en cuyo currículum estaban las partituras para Psicosis, Vértigo, Marnie... Un film inquietante, desasogante, terrorífico a ratos y muy entretenido. La protagonista fue Margot Kidder (Superman). Mi escena preferida es el flashback en donde conocemos la historia de las hermanas, la música de Herrmann lo convierte en una auténtica pesadilla.
   
6. Nota: a lo mejor aquí merecería estar El Fantasma del Paraíso (1974), pero no la he visto.
   

Por ahora, todo pinta bien, parece mentira que no le hayan dado un oscar al hombre,¿no? Seguimos con los trabajos reseñables, de notable, vamos.

1. La furia (The fury, 1978). El siguiente trabajo después de Carrie tenía mucho que ver con su predecesora y de nuevo volvían a aparecer los poderes mentales y la telequinesia en particular, pero es una película muy diferente, que recuerda lejanamente a Con la muerte en los talones y que tiene un toque de aventuras y thriller. Todo comienza cuando un agente creo que de la CIA (Kirk Douglas!) sobrevive al intento de asesinato de su amigo y compañero (John Cassavettes!!!) que sí consigue secuestrar a su hijo. Así que no parará hasta encontrar a su hijo y vengarse del traidor. A destacar el sentido del humor (muy de Hichtcock) que impregna gran parte de la cinta, porque al final se torna muy oscura.
2. Los intocables de Elliot Ness (The untouchables, 1987). Aquí para la banda sonora contó con Ennio Morricone y se notó. Y en cuanto a los intérpretes, qué decir de Sean Connery o de Robert de Niro como Al Capone? Si hasta Kevin Costner y Andy Garcia actúan bien! Del guión se ocupó el siempre interesante David Mamet. Inolvidable el plagio/homenaje a la escena del carrito de bebé cayendo por las escaleras de El acorazado Potemkin. Así como el montaje paralelo que simultanea la muerte de Connery con de Niro llorando en la ópera mientras escucha el aria "Vesti la giubba".
   
3. Nota: como ya me estoy cansando, me limito a mencionar Misión Imposible, Corazones de hierro y Vestida para matar.

Bueno, bueno, ya me estoy aburriendo de tantos elogios, pasemos a los fiascos:

1. Fascinación (Obsession,1976). O Vértigo en clave de De Palma. Una historia confusa y aburrida de un tipo que no olvida a su mujer y que muchos años después de su muerte se enamora de una tía que es una réplica exacta de su media naranja fenecida. La solución al misterio está clara,¿no? Sólo se salva la magnífica banda sonora de Bernard Herrmann.
2. Doble Cuerpo (Body double, 1984). De nuevo plagiando al Sr. Hitchcock: La ventana indiscreta, Vértigo y etc, etc... En España se tradujo literalmente el título y da la impresión que va de alguien que tiene dos cuerpos cuando trata sobre una doble de cuerpo (una actriz que dobla a una estrella en las escenas de desnudo), pero aún así creo que tuvo éxito, sería por la carátula tan sugerente del VHS. Lo único que mola es que sale el grupo Frankie Goes To Hollywood cantando Relax y para tratar sobre el mundo del porno la verdad que la peli era muy casta.

Y ahora ya, las pelis por la que este señor deberá expiar sus culpas en el Infierno durante siglos:

1. La hoguera de las vanidades (1990): ¿Por dónde empezar? Lo más imperdonable bajo mi punto de vista es que se cargó una de las mejores novelas del siglo XX y además parece que ni siquiera se la leyó, porque llegando a su cuarto final el guión ya no tiene nada que ver con lo que escribió Tom Wolfe. La mala leche de la novela se disuelve y se convierte al final en una comedia que no hace reir y una película crítica que no critica nada. Luego los actores no podían estar peor elegidos: el soso de Tom Hanks, Bruce Willis como periodista cínico (cuando en la novela era mucho más repugnante y trepa) y de nuevo Melanie Griffith (o Grifa) que está insufrible y además no contentos con eso, a su papel le dan mucho más protagonismo del que tenía en la novela. De juzgado de guardia.
2. La dalia negra (2006). De nuevo la misma historia: una mala elección de actores que no concuerda con los personajes que interpretan y otra vez un libro excelente tirado a la basura. En vez de complicarse la vida en hacer un poco más sencilla la trama de James Ellroy (como hicieron en LA Confidential con éxito), el director se lo lleva a su terreno y la convierte en una sucesión de golpes de efecto que confunde al espectador (que se aburre como las ostras)
3. Snake Eyes (1998): Aquí llegó ya casi a lo más bajo de su carrera. Vaya bodrio más infumable: una trama estúpida e inverósimil protagonizada por el siempre insoportable Nicolas Cage. Además desde el principio adivinas quién es el malo y qué es lo que va a pasar. Lo único que me gustó es la pequeña historia que sucede mientras pasan los títulos de crédito.
   
4. Nota: Otro bodrio reseñable sería En nombre de Caín, pero nunca la he visto entera
   

Conclusión: que el estilo "DePalmesco" queda muy bien cuando el material de partida no es demasiado profundo (como hemos visto quedan descartadas novelas con una temática y/o argumento complejos) y cuando el tío cuenta con un buen equipo técnico que lo respalde. En fin, esperaremos a ver qué nos depara en el futuro. A pesar de sus muchos patinazos, todavía me parece más interesante que otros directores de su generación como Spielberg, Lucas o Coppola (cuya carrera ha entrado en caída desde hace una década al menos).

Ocean's Thirteen, Planeta Imaginario y El Resplandor

A veces las relaciones entre los músicos y las bandas sonoras es sorprendente. Escuchando la banda sonora de Ocean's 13 (la peli ni la he visto ni me llama la atención), que ha compuesto el Dj David Holmes encuentro una pequeña rareza (Holmes no se limita a componer, sino que también hace gala de sus conocimientos encontrando canciones buenísimas e ignotas) del japonés Isao Tomita, la sonata Claro de Luna de Debussy interpretada con un sintetizador antiguo (creo que un Moog) y me ha recordado la sintonía del programa Planeta Imaginario, que emitió TVE durante los 80. La cabecera usaba una música también de Claude Debussy, concretamente el Arabesco nº 1, también con sintetizador. Y resulta que he acertado, también era el mismo japonés. Pero las coincidencias no acaban ahí, pues Tomita se fascinó por los sintetizadores después de escuchar al argentino Walter Carlos (a.k.a. Wendy Carlos después de su operación de cambio de sexo), responsable de gran parte de la banda sonora de El Resplandor, de Kubrick. En fin, otra relación extraña que no tiene mayor importancia, pero tenía ganas de compartirla con ustedes.

David Holmes

Wendy Carlos

El disco de las versiones

The Wanderers (Philip Kaufman, 1979)

Conocida en España como "Las Pandillas del Bronx", Philip Kaufman dirigió esta película un año después de "La invasión de los ultracuerpos", un remake que, sin superar a la original, lo modernizaba e incluía elementos muy interesantes (como el que las "copias" invasoras señalaran a los humanos todos con el dedo mientras gritaban, acojona tronco, acojona).
Empecemos hablando del currículum de este guionista y director, que si bien en los noventa parece que perdió el Norte, hizo antes cosas realmente interesantes. Como guionista, escribió uno de los mejores films de Eastwood: El fuera de la ley y también participó en los guiones de En busca del arca perdida e Indiana Jones y la última cruzada. Y en la dirección, aparte de las ya mencionadas, es responsable de éxitos ochenteros como Elegidos para la gloria o La insoportable levedad del ser".
Pasando a la película, pues qué les voy a decir, una pequeña joyita que remite directamente a otro clásico American Graffitti, de George Lucas. Como ocurría en aquella, la banda sonora está llena de éxitos nostálgicos de la música americana (oldies but goldies) y también conocemos las peripecias de un grupo de jóvenes, a los que no les pasa nada y les pasa de todo, vamos que están empezando a conocer la vida, con sus alegrías y sus decepciones. La verdad es que cuando vi The Wanderers me gustó más que la de Lucas, no sé, sería que ya tengo muy vista American.. pero me pareció más verista esta peli que la otra. Será porque en el film de Lucas todo ocurre en una noche y la historia está muy condensada, parecen demasiadas cosas para una noche. Además en The Wanderers hay más humor, más violencia y más sexo que en la otra (todos sabemos que el Sr. Lucas es muy políticamente correcto). Además, Las Pandillas del Bronx me transmitió ese no sé qué especial que sólo tienen ciertas películas y es que te hacen olvidar que estás viendo una peli para meterte dentro. En fin, señores, otro a must see para sus filmotecas o emuletecas.

Dos canciones de la BSO: The Chantays - Pipeline / Lee Dorsey - Ya ya

Sabias palabras

"En preguntar lo que sabes
el tiempo no has de perder...
Y a preguntas sin respuesta
¿quién te podrá responder?"

A.Machado

Cinema escondido: "Dead man's shoes" (2004)

A lo mejor me equivoco al colocar esta película en el apartado "cinema escondido", pero la verdad es que nunca había oído hablar de ella y la conocí a través del top de imdb, aunque me han dicho que en su país de origen, Reino Unido, sí es más conocida.
Aunque es una peli que recomiendo, tengo que advertir de una cosa: da un poco de mal rollo, no es una película agradable, aunque tenga momentos divertidos. Por eso he tardado tanto en recomendarla, porque desde hace tiempo suelo evitar las obras que crean malestar en el espectador.
En cuanto a la película en sí, es una puta obra maestra. Mezcla elementos de cine negro y western y en un ambiente a priori extraño para estos géneros: el mundo rural.
La motivación del personaje es tan antigua como el hombre: la venganza. Un ex militar (Paddy Constantine) vuelve a su pueblo natal para librar una vendetta contra un grupo de mafiosillos que abusaron de su hermano retrasado.

El plan es tan sencillo como eficaz y aunque en un primer momento es muy divertido (a unos mafiosos les pinta la cara de payaso con spray mientras duermen), pronto pasará a acabar con ellos de la forma más realista y cruel, hasta llegar a la parte final, donde ya se hace insoportable ver cómo el protagonista los mata a sangre fría.
La cinta me recordó muchas cosas: en primer lugar, a Lady Snowblood, por cómo la venganza prosigue a pesar de que las víctimas se arrepientan sinceramente y sintamos compasión por su patetismo. También, en cierto modo a ciertos films de Sam Peckinpah, por la poesía de los perdedores, por la violencia desgarrada y por la desesperación del protagonista, aunque al final, no ocurrirá como en Quiero la cabeza de Alfredo García, donde empatizábamos del todo con el personaje de Warren Oates en su cruzada desesperada contra los poderosos que le jodieron la vida. Al contrario de lo que ocurre en la mayoría de los productos de acción convencional, el personaje de Paddy Constantine se verá trastornado por la escalada de violencia que ha generado y comprenderá que se ha convertido en algo peor que los mafiosos. El tono realista del film ayuda bastante a ese desprecio por la violencia. Hay un momento que recuerda a El último boy scout, cuando Bruce Willis dice eso de "si me tocas, te mato". Si en la cinta de Tony Scott era algo divertido, aquí se repite una escena muy parecida ("Te voy a matar, joder") pero que nos produce rechazo por su verismo.
Un momento que me llamó la atención bastante es cuando los mafiosos se encaran con el vengador, el personaje de Gary Stretch se acerca a él "chuleándole" y con un tono irónico de superioridad, a lo que el prota responde con toda sinceridad: "Sí, fui yo quien lo hice y os voy a matar a todos, uno por uno". Momento western puro en un desolado paisaje rural inglés.
En fin, una cinta a reivindicar y una reflexión sobre la violencia y el "ojo por ojo" a la altura (salvando las distancias) de Sin perdón de Clint Eastwood.
Ah, casi se me olvidaba, mucha gente compara esta peli con la magistral (y un must see) Asesino implacable (Get carter) que interpretara Michael Caine en el año 1971. Y sí, tiene puntos en común, por aquello de que son dos noir ingleses ambientados en la campiña y dos historias de venganza impregnadas de melancolía, pero creo que el parecido acaba ahí, que cada uno saque sus propias conclusiones.

El Photoshop

Llevo unos días apartado del blog (y de la Feria) y el culpable es el Photoshop, un programa que conozco desde hace la pera de tiempo, pero que no he usado mucho. Gracias a esta página. Aquí dejo algunos de mis experimentos. Si aún no lo han probado, anímense, es mucho más fácil de lo que parece.

El efecto Orton en una foto tomada en San Nicolás del Puerto (Sevilla) Y aquí el paso a blanco y negro de una foto cualquiera. Es increíble lo que gana

Un virado de una foto de la Plaza de San Marcos en Venecia (además la foto está retocada porque estaba muy oscura).Por último un envejecimiento parcial (Casale-Monferrato, Italia) y una foto en blanco y negro con parte pintada (Lisboa). Aunque parezca mentira, el segundo es el tratamiento más fácil y rápido:

The Stooges: Funhouse (1970)

Si alguna vez el rock fue peligroso, si alguna vez el rock fue música infernal, si alguna vez el rock fue algo obsceno, indecente, guarro... fue aquí. ¿Qué decir de este disco, que es toda una leyenda? ¿Que muchos grupos noise han intentado imitar el sonido que tiene? ¿Que se anticipó siete años al estallido del punk?
Pero antes hagamos un poco de historia, en 1969 The Stooges surgieron con su disco debut, una maravilla según mi gusto, que incluye el máximo "hit" de esta banda: I wanna be your dog (una de las canciones más versioneadas de la historia del rock) al lado de trallazos como Real cool time o No fun. Producido por el ex Velvet Underground John Cale.
Aunque "los chiflados" no se sintieron realmente a gusto hasta tener como productor a uno de los componentes de The Kingsmen, grupo que cuenta en su haber con la versión más conocida del tema Louie, Louie. En 1973 se disolverían tras Raw Power, acreditado a Iggy & the Stooges y producido por David Bowie, que ha sido muy criticado por este trabajo, se dice que subió demasiado los agudos y no sacó partido del sonido sucio de la banda.
Pasando al disco, se me ocurren un montón de ideas: autodestrucción, sexo chungo, drogas duras, rabia y sobre todo caos, desorden, confusión. Aunque siempre calculada, en la versión deluxe que me conseguí se incluyen hasta tres versiones de la canción Loose y creo que llegaron a grabar hasta 20. El disco empieza relativamente tranquilo, con Down on the street, una canción potente y agresiva que no te prepara para lo que se avecina. Por lo visto fue una imposición de la discográfica, Elektra, poner esta canción al principio, porque el grupo quería empezar con Loose... en el que la cosa empieza a desmadrarse y la guitarra de Ron Asheton suena cada vez más desatada, más "desagradable", ya te avisa Iggy al principio (Look out). Y luego llega la traca TV-Eye con un Iggy desatado, gritando y con un ritmo machacón y una guitarra de fondo que hacen de este un tema que ya quisieran para sí muchos grupos punk que vendrían después. Lo que sigue es Dirt, una canción oscura, sucia, sugerente, una especie de funk oscuro y lento, con un ritmo hipnótico donde Iggy no para de repetir "Sabes que he estado sucio, pero no me importa, ¿qué sientes cuándo me tocas?". Después de esos siete minutos de descanso viene 1970, una canción punk que recuerda directamente a los Sex pistols. Y después... la apoteosis. Como decían los Sonic Youth, Confusion is sex, de nuevo un ritmo funk, pegajoso, repetitivo y un saxo endemoniado que hace al conjunto aún más caótico, más peligroso. Joder, cuando los vi en directo, y sonó esa línea de bajo... Y por último, ya el caos sí se apodera de todo y viene L.A. Blues, la verdad es que confieso que llegado a este punto ya quito el disco, es todo desorden, cada uno toca por su lado.
En fin, esa sería más o menos la experiencia de escuchar este disco con el que mantengo una relación especial. Y es que me acerqué a él bastante tarde. El primer grupo que me marcó fue The Velvet Underground, por otra parte también una reacción al hippismo y al sonido de California. The Velvet Underground son oscuros, peligrosos, en sus tiempos bastante drogotas y mal rollistas, pero hay una diferencia: que a Lou Reed y a John Cale se les puede considerar como "intelectuales": el primero es un poeta y un letrista cojonudo y el segundo es un experto en música, experimentador y siempre ha olido el talento de los demás (aparte de los propios Stooges, también produjo trabajos de gente como Nico o Patti Smith). Mientras que The Stooges con Iggy a la cabeza son más viscerales, me remito a las actuaciones de esta época, donde la iguana vomitaba, se cortaba el pecho o se liaba a ostias con la gente del público. Su música no parte de la cabeza, sino de las tripas (o de las gónadas), por eso un disco como éste te llega tanto.
Una curiosidad: tengo la teoría de que éste es el disco más molesto que existe: hay que estar preparado para la experiencia y prestarle toda tu atención, desde luego no es una música para trabajar en el ordenata o para estar haciendo otras cosas. Si no, hagan la prueba, intenten currar con él de fondo o si son un poco sádicos pongánselo a alguien que les caiga mal y al que no le guste el rock.
En fin, que aún quedan muchas cosas que decir de este disco, una fuente de inspiración para todos los músicos que han venido después (por ejemplo a Nick Cave en su etapa con The Birhtday Party) y que cada día que pasa envejece mejor.

Más party time. Versiones en clave de funk

Más que de una versión, aquí cabría hablar de una re-interpretación del Paint it black, de los Rolling Stones.

Africa - Paint it black

Seguimos con los Stones, ahora con una versión del mítico bluesman Muddy Waters.

Muddy Waters - Let's spend the night together

Merry Clayton es conocida sobre todo por prestar su voz al tema Gimmie Shelter (ella es a la que podemos escuchar de fondo gritar "Love, sister...") de los Stones. Aquí hace una versión del tema que le granjeó a Neil Young la enemistad de los Lynird Skynird, que compusieron Sweet home Alabama en respuesta a este Southern man.

Merry Clayton - Southern man

Y terminamos con otra versión de uno de los grandes, Jimi Hendrix, a cargo del saxofonista John Klemmer.

John Klemmer - Third stone from the sun

Party Time. Explosión Funk

Cuatro temas funk de mi colección, difíciles de conseguir y capaces de animar a un muerto:

-Ann Alford - Got to get me a job
-Brenda George - What you see is what you get
-Dave Hamilton - Brother Ratt
-Philipp Mitchell - I'll see you in hell first

The Stooges

Cuatro días después de ver a Iggy & The Stooges me he atrevido a escuchar de nuevo Funhouse. Vaya gozada, si ya era uno de mis discos preferidos de la historia del rock, ahora las canciones me parecen más frescas y actuales que nunca. Aquí pongo Loose, un temón de un album que está lleno de ellos. Próximamente planeo realizar una reseña del disco entero.

Natural Music Festival

Pues sí, estuve en El Ejido en el Natural Music Festival. Aquí les dejo dos instántaneas del evento. Una del espectacular, apoteósico e intenso directo de Iggy & The Stooges y otra del concierto de Nacha Pop, que recalarán próximamente en Córdoba.
Un conciertazo, de los mejores que he visto, a destacar: Iggy Pop en el escenario, la caña que metieron los Primal Scream y Jesús Ordovás como DJ (parecía un tío muy simpático).
De regalo, uno de los himnos que cantaron The Charlatans.

Emisión en pruebas

Estoy trabajando en colocar enlaces para bajarse música. Aquí dejo dos pruebas. Decidme si funciona o no, please

The Saints - Know your product

(Banda punk australiana de finales de los 70 y principios de los 80 que fue innovadora por introducir por primera vez vientos en un temazo punk)

The Sleepy Jacksons - Rain falls from wind

(Una banda de ahora, pero que suena a años 80, rollo Psychodelic Furs)

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